Ouka Leele: «Amo la vida por encima de todo»

Diariocritico.com

José-Miguel Vila – 01/05/2015

«Me encanta saber que he podido ayudar a la gente a ser más libre»
«Persigo la eternidad, ese tiempo eterno que se halla en cada instante»
«Hago las cosas como las siento»
«Tengo un amor-odio con la fotografía»

Premio Nacional de Fotografía 2005 y Medalla de Honor en la XI Bienal Internacional de El Cairo en 2008, Ouka Leele (Madrid, 1957) va camino de las cuatro décadas de trabajo en la fotografía y, a pesar de su amor-odio hacia ella, ha alcanzado hace ya mucho tiempo su madurez artística con la cámara. Su formación como fotógrafa se inició en 1976 en la escuela Photocentro. Comenzó también a prepararse para Bellas Artes, pero muy pronto abandonó la idea de hacer la carrera para continuar de forma autodidacta, ante la necesidad de aunar en sus creaciones la fotografía y la pintura. Su dominio técnico y su desbordante creatividad (blanco y negro, obras coloreadas y fotografía digital) le hacen ser considerada una verdadera poeta de la imagen, cuyas fotografías son, desde los años 80, iconos de nuestro tiempo.

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Ouka Leele/ La fotografía cortada como escudo (Autorretrato)

Ouka Leele es el actual nombre de guerra (antes era solo Ouka Lele, con una sola e) de Bárbara Allende Gil de Biedma. Bárbara es tímida, observadora, tranquila; Ouka es osada, valiente, lanzada, imparable. Imaginativa y artista plástica desde la cuna, a Bárbara no se le ocurrió mejor idea que ser otra para vencer abiertamente su alter ego, el de la timidez y su extrema discreción. Y lo logró, ¡vaya si lo logró!

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10 grandes fotografías que evocan a clásicos de la pintura

31 de marzo  2015

Ivan Sánchez

 

El lenguaje visual de la fotografía tiene su origen en la pintura, de la cual aún hoy se sigue nutriendo. Desde la forma de representar la luz de Rembrandt hasta las abstracciones de Mondrian, no son pocos los fotógrafos que se han visto influenciados -conscientemente o no- por estilos pictóricos determinados. Con toda probabilidad los autores de la decena de fotos seleccionadas conocían las obras de los pintores que las acompañan, y aunque en algunos casos no las tuvieron presentes en el momento de capturar la imagen, las similitudes conceptuales y formales entre ambas son evidentes.

 1 – Rembrandt y Eugene W. Smith

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Que Eugene W. Smith preparaba muchas de las fotografías que tomaba para darle el significado que pretendía es algo de sobras sabido. No en vano, estamos ante el representante más importante del ensayo fotográfico. En 1950 Smith viajó a Deleitosa, en la provincia de Cáceres, para realizar el reportaje “Spanish Village” que Life publicaría al año siguiente. Allí entrevistó a multitud de habitantes e hizo un estudio sociológico sobre la España rural de posguerra.

Esta fotografía del velatorio de Juan Larrá Trujillo es una de las más significativas del reportaje, y también está escenificada. Smith había echado una mano a la familia para el entierro y la burocracia, y estos le permitieron tomar la imagen antes de la ceremonia fúnebre. Las mujeres que aparecen están colocadas según las instrucciones del autor y la escena está iluminada con flash para que adquiriese el dramatismo que buscaba.

Y por su composición e iluminación recuerda a la famosa “La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp” que pintó Rembrandt en 1632. Además, tanto las mujeres que velan a Larrá como los doctores que se aprestan sobre el cadáver de Adriaan Adriaanszoon -un criminal recién ahorcado- atraen el centro de interés hacia ellos.

Como curiosidad, parece ser que varios de los personajes del óleo fueron incluidos posteriormente por el pintor flamenco, quien muy probablemente tuvo que usar otro modelo para pintar el brazo diseccionado, relativamente más largo que el otro.

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Jimmy Nelson: Antes de que desaparezcan

 Hay cientos de libros de fotografías de gran formato sobre pueblos indígenas y tribales pero quizá ninguno tan extremo -o extraño- como el de Jimmy Nelson Antes de que desaparezcan (Before they pass away, en su versión inglesa, editado por teNeues en 2013). Es sin duda el más voluminoso, con sus 4 kg, y el más caro: comprarlo en España cuesta 128 euros. Aunque en el fondo esto es una ganga si lo comparamos con la edición para coleccionistas (6.500 euros) o con una impresión individual (119.000 euros).

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10 maestros del blanco y negro

Color o blanco y negro, ésta es la cuestión. Y también es una de las primeras decisiones que han de tomar muchos fotógrafos antes de iniciar un proyecto. Pese a que ciertas realidades piden algo de color, hay quienes han mantenido inquebrantable su fidelidad al blanco y negro. El aparente caos en las imágenes de Munem Wasif o el equilibrio formal -casi milimétrico- de Pentti Sammallahti son algunos de los grandes fotógrafos contemporáneos que nos han demostrado que el blanco y negro es viable en cualquier situación.

1 Munem Wasif

Las composiciones con un caos bien resuelto son una tónica en el trabajo de Munem Wasif. Y en este sentido el blanco y negro -con un ligero virado cálido- ayuda a poner orden a la visión que el bengalí tiene de su propio país, su principal escenario de trabajo. Tierra de colores vibrantes, Bangladés está fuertemente influida por el monzón, cuya incidencia conlleva unos cambios muy drásticos en la atmósfera de las fotografías en función de la época del año. Cambios que Wasif consigue relativizar con el uso del blanco y negro.La fotografía de este galardonado autor nacido en 1983 tiene un marcado sesgo humanista, y su implicación, entendimiento y cercanía a un mundo que le es propio se hacen patentes en cada toma. En este sentido, cobra mucha importancia el alto contraste que aplica en el retoque, seña importante de su estilo y recurso orientado a enfatizar las emociones humanas. Más información: Munem Wasif

10 fotógrafos que rompieron con el mito del blanco y negro

 La primera mitad del siglo XX asistió al lanzamiento comercial de la película en color de Kodak: primero la diapositiva (1935) y más tarde la negativa (1942). Sin embargo, durante los siguientes 40 años la fotografía en blanco y negro fue la única que gozó de un estatus de prestigio y calidad en el entorno profesional. Las tornas empezarían a cambiar ya en los 50, cuando Ernst Haas comenzó a trabajar -y experimentar- seriamente con la fotografía en color, y en 1976 la muestra de William Eggleston en el MoMA sepultó definitivamente ese cliché. He aquí una decena de autores que apostaron por el color y cambiaron la historia de la fotografía.

1 William Eggleston

Cuando John Szarkowski organizó la muestra “Color Photographs by William Eggleston” en el MoMA de Nueva York estaba poniendo la primera piedra de una nueva era en la historia de la fotografía. El color comenzaba a tomar el protagonismo necesario para alcanzar el mismo estatus del que gozaba la imagen en blanco y negro.

William Eggleston se centró para sus coloridas fotos en motivos sin interés aparente: coches en gasolineras o aparcamientos, casas en vecindarios solitarios, interiores y personas con cierta apatía. Pero el fotógrafo de Memphis -que en el momento de la exposición hacía algo más de una década que fotografiaba en color- planteó un uso del cromatismo como eje central de su fotografía.

 

Foto: William Eggleston

 

 Bien sea con la yuxtaposición de tonos cálidos y fríos, con el uso de colores extremadamente saturados como en “Red Ceiling” (fotografía con la que Eggleston quedó maravillado al probar el dye-transfer), con tonos pastel o mediante el uso de dominantes cálidas durante las horas bajas de sol, la obra de este autor tiene la importancia de romper con la tradición a nivel formal y de contenido.

 

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Xavi Fuentes – Emoción Fotográfica

Uno de los nuestros

 

Xavi Fuentes es un fotógrafo de Barcelona cuyo trabajo está lleno de emociones contenidas. Sus fotografías son una mezcla entre formas, líneas y luz y, con ellas, consigue arrancar diferentes y valiosas sensaciones al espectador. Con un blanco y negro directo, Xavi nos sumerge en una realidad, donde los elementos se confabulan para ofrecernos una visión profunda y distinta con sus paisajes de ensueño. Además de su web, también podemos seguir su trabajo y otras novedades en su photoblog.

Xavi Fuentes© – I n c o m i n g

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Jan Saudek

Texto: GemaLaMirada – Xataka Foto – 30 de septiembre de 2011
Video: Jun Chou – 13 de abril de 2013

Reconozco que he llegado hasta Jan Saudek de forma casual. Sin embargo, al leer una de sus frases, algo me ha dicho que tenía que profundizar en su obra y en su persona. Si ya desde el principio contamos con afirmaciones como “lo único que se puede hacer con esta cámara es cargar la película, apretar el botón y hacer la foto; y eso es exactamente lo que he hecho hasta 1963” al hablar de su primera Kodak Baby Brownie y echamos un vistazo al vídeo, comprobaremos que estamos ante uno de esos fotógrafos cuya personalidad parece ser más importante que su obra.
Nacido en Praga en 1935, no fue hasta 1963 cuando le llegó a sus manos el libro “Family of Man” de Edward Steichen y desde estonces quiso ser fotógrafo. Pero no es hasta 1983 cuando publica su primer libro de fotografías y curiosamente la fábrica donde trabajaba le da permiso para abandonarla e inscribirse en Fundación de Artistas visuales Checoslovacos, destacándose así su valía como artista.
El trabajo de Jan Saudek vendría a conectar con esa vertiente de mundos imaginados reconocible en nuestro país a través de Ouka Leele. Se le reconoce en sus fotografías pintadas y sus desnudos femeninos de mujeres al estilo de Rubens que nos lleva a una fotografía muy barroca y surrealista al mismo tiempo. Podéis pasear por su web y ver toda la evolución de su obra desde 1951 hasta la actualidad. Quizá, a mediados de los 70’ se alejó de la fotografía de exteriores para inventarse decorados en estudio pero, sin embargo, descubriréis una temática constante y una técnica idéntica a lo largo de toda su carrera.