10 grandes fotografías que evocan a clásicos de la pintura

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31 de marzo  2015

Ivan Sánchez

 

El lenguaje visual de la fotografía tiene su origen en la pintura, de la cual aún hoy se sigue nutriendo. Desde la forma de representar la luz de Rembrandt hasta las abstracciones de Mondrian, no son pocos los fotógrafos que se han visto influenciados -conscientemente o no- por estilos pictóricos determinados. Con toda probabilidad los autores de la decena de fotos seleccionadas conocían las obras de los pintores que las acompañan, y aunque en algunos casos no las tuvieron presentes en el momento de capturar la imagen, las similitudes conceptuales y formales entre ambas son evidentes.

 1 – Rembrandt y Eugene W. Smith

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Que Eugene W. Smith preparaba muchas de las fotografías que tomaba para darle el significado que pretendía es algo de sobras sabido. No en vano, estamos ante el representante más importante del ensayo fotográfico. En 1950 Smith viajó a Deleitosa, en la provincia de Cáceres, para realizar el reportaje “Spanish Village” que Life publicaría al año siguiente. Allí entrevistó a multitud de habitantes e hizo un estudio sociológico sobre la España rural de posguerra.

Esta fotografía del velatorio de Juan Larrá Trujillo es una de las más significativas del reportaje, y también está escenificada. Smith había echado una mano a la familia para el entierro y la burocracia, y estos le permitieron tomar la imagen antes de la ceremonia fúnebre. Las mujeres que aparecen están colocadas según las instrucciones del autor y la escena está iluminada con flash para que adquiriese el dramatismo que buscaba.

Y por su composición e iluminación recuerda a la famosa “La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp” que pintó Rembrandt en 1632. Además, tanto las mujeres que velan a Larrá como los doctores que se aprestan sobre el cadáver de Adriaan Adriaanszoon -un criminal recién ahorcado- atraen el centro de interés hacia ellos.

Como curiosidad, parece ser que varios de los personajes del óleo fueron incluidos posteriormente por el pintor flamenco, quien muy probablemente tuvo que usar otro modelo para pintar el brazo diseccionado, relativamente más largo que el otro.

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Jimmy Nelson: Antes de que desaparezcan

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 Hay cientos de libros de fotografías de gran formato sobre pueblos indígenas y tribales pero quizá ninguno tan extremo -o extraño- como el de Jimmy Nelson Antes de que desaparezcan (Before they pass away, en su versión inglesa, editado por teNeues en 2013). Es sin duda el más voluminoso, con sus 4 kg, y el más caro: comprarlo en España cuesta 128 euros. Aunque en el fondo esto es una ganga si lo comparamos con la edición para coleccionistas (6.500 euros) o con una impresión individual (119.000 euros).

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Proyecto «Vinalophoto»

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Bajo el titulo VINALOPHOTO, hoy se ha iniciado la liguilla comarcal de asociaciones de fotógrafos de Elda, Petrer, Monóvar,Villena, Sax y Novelda. Evento que nace de la colaboración entre el Museo del Calzado y las Asociaciones de Fotógrafos de Elda, Petrer y Monóvar y que bajo el concepto de «Museo Abierto», todos los fotógrafos de las citadas asociaciones tendrán al museo como objetivo temático de sus miradas artísticas y enfoque fotográfico. Desde hoy, 21 de marzo hasta el próximo 30 de junio, todos los fotógrafos inscritos podrán acceder gratuitamente al museo para plasmarlo en sus objetivos. Zapatos, herramientas, maquinaria, rincones, salas, arquitectura, ambientes, exterior, monumento, etc.

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Misha Gordin y la fotografía conceptual

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Misha Gordin nace en Rusia en 1946. En 1974, tras años de descontentos con las autoridades comunistas, deja Rusia y marcha a Estados Unidos. La obra de Misha Gordin es conceptual y requiere un laborioso proceso desde la imagen inicial a la final. Es un verdaderamente un trabajo artesanal.

“…No es nueva la idea de manipular imágenes fotográficas. De hecho, en cierto grado, toda imagen se manipula. El verdadero poder de la fotografía surge cuando la realidad alterada se presenta como existente, y se da por supuesta. Una imagen evidentemente manipulada acaba siendo un engaño que muestra la carencia de comprensión del particular poder que posee la fotografía: grabar fehacientemente en nuestro subconsciente que lo capturado por la cámara ha existido. En el mejor ejemplo de la imagen exitosamente manipulada, nunca surgiría la pregunta ¿Es esto real?“ Misha Gordin

    Cultura inquieta

    10 maestros del blanco y negro

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    Quesabesde

    Color o blanco y negro, ésta es la cuestión. Y también es una de las primeras decisiones que han de tomar muchos fotógrafos antes de iniciar un proyecto. Pese a que ciertas realidades piden algo de color, hay quienes han mantenido inquebrantable su fidelidad al blanco y negro. El aparente caos en las imágenes de Munem Wasif o el equilibrio formal -casi milimétrico- de Pentti Sammallahti son algunos de los grandes fotógrafos contemporáneos que nos han demostrado que el blanco y negro es viable en cualquier situación.

    1 Munem Wasif

    Las composiciones con un caos bien resuelto son una tónica en el trabajo de Munem Wasif. Y en este sentido el blanco y negro -con un ligero virado cálido- ayuda a poner orden a la visión que el bengalí tiene de su propio país, su principal escenario de trabajo. Tierra de colores vibrantes, Bangladés está fuertemente influida por el monzón, cuya incidencia conlleva unos cambios muy drásticos en la atmósfera de las fotografías en función de la época del año. Cambios que Wasif consigue relativizar con el uso del blanco y negro.La fotografía de este galardonado autor nacido en 1983 tiene un marcado sesgo humanista, y su implicación, entendimiento y cercanía a un mundo que le es propio se hacen patentes en cada toma. En este sentido, cobra mucha importancia el alto contraste que aplica en el retoque, seña importante de su estilo y recurso orientado a enfatizar las emociones humanas. Más información: Munem Wasif

    10 fotógrafos que rompieron con el mito del blanco y negro

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    Quesabesde

     La primera mitad del siglo XX asistió al lanzamiento comercial de la película en color de Kodak: primero la diapositiva (1935) y más tarde la negativa (1942). Sin embargo, durante los siguientes 40 años la fotografía en blanco y negro fue la única que gozó de un estatus de prestigio y calidad en el entorno profesional. Las tornas empezarían a cambiar ya en los 50, cuando Ernst Haas comenzó a trabajar -y experimentar- seriamente con la fotografía en color, y en 1976 la muestra de William Eggleston en el MoMA sepultó definitivamente ese cliché. He aquí una decena de autores que apostaron por el color y cambiaron la historia de la fotografía.

    1 William Eggleston

    Cuando John Szarkowski organizó la muestra “Color Photographs by William Eggleston” en el MoMA de Nueva York estaba poniendo la primera piedra de una nueva era en la historia de la fotografía. El color comenzaba a tomar el protagonismo necesario para alcanzar el mismo estatus del que gozaba la imagen en blanco y negro.

    William Eggleston se centró para sus coloridas fotos en motivos sin interés aparente: coches en gasolineras o aparcamientos, casas en vecindarios solitarios, interiores y personas con cierta apatía. Pero el fotógrafo de Memphis -que en el momento de la exposición hacía algo más de una década que fotografiaba en color- planteó un uso del cromatismo como eje central de su fotografía.

     

    Foto: William Eggleston

     

     Bien sea con la yuxtaposición de tonos cálidos y fríos, con el uso de colores extremadamente saturados como en “Red Ceiling” (fotografía con la que Eggleston quedó maravillado al probar el dye-transfer), con tonos pastel o mediante el uso de dominantes cálidas durante las horas bajas de sol, la obra de este autor tiene la importancia de romper con la tradición a nivel formal y de contenido.

     

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    DarkAngelØne – The World Through My Eyes

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    Uno de los Nuestros

    DarkAngelØne: Animation - Photo: Geraldine Lamanna

    DarkAngelØne: Animation – Photo: Geraldine Lamanna

    No descubrimos nada nuevo si decimos que el uso de los ordenadores y las nuevas tecnologías ha significado una nueva visión en el campo del arte, aplicando sus técnicas a diferentes estilos, muchos de los cuales son toda una novedad y revolución dentro del concepto clásico que podríamos tener hasta hace poco del arte en si. Salvando distancias y eludiendo estereotipos y discusiones que no conducen a ninguna parte, hoy presentamos un formato poco conocido como actividad artística, aunque si muy usado a la ligera (a veces con más gracia y otras con menos) en diferentes redes sociales, avatares o páginas web entre otros usos. Se trata de los .gif animados, que podríamos considerar el hermano pequeño del vídeo o la fusión entre imagen y movimiento. Y si alguien nos ha sorprendido tanto por su historia, como por la calidad y cantidad de estas obras, es un artista que se da a conocer como DarkAngelØne. Tanto me fascinó su trabajo que no podía por menos que ponerme en contacto con él, tras lo cual mi admiración y respetó aumentó aún más si cabe, pues tras estos trabajos de tan bella factura, se encuentra un espíritu noble y generoso que transmite excelentes vibraciones.

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